Mes: marzo 2018

Letyat zhuravli (Cuando pasan las cigüeñas) fue, en cierta forma, una cinta disidente, tomando en cuenta los estrictos códigos ideológicos de entonces. Claro, Stalin había muerto y la presidencia de Jrushov ensayaba una especie de perestroika primitiva que se hacía levemente de la vista gorda ante deslices como los de Kalatozov: una abuela que santigua a su nieto antes de partir a la guerra, un jefe de familia que se mofa de las consignas partidistas, jóvenes que desconfían del patriotismo exacerbado…

En términos estéticos, la pieza de Kalatozov es un ejemplo emblemático del llamado realismo de la posguerra, que tanto influenciaría la manera de hacer cine de la novel Cuba castrista, como es el caso de Tomás Gutiérrez Alea, por ejemplo.
En todo caso, la euforia del triunfo de los soviets termina por opacar la pérdida del ser amado, en un guiño cómplice hacia la intolerancia del sistema, en una oda al voluntarismo estoico de los herederos de la revolución bolchevique.

Apuntar el momento preciso, quirúrgico, en que se nos revela el fin de la inocencia, no es cosa permisible para todos. Solo acontecimientos trascendentes, muchas veces desoladores y terribles, trazan la senda reconocible del auto conocimiento y de la memoria finísima y exacta.

Adam y Fenton lo supieron aquella noche en que su padre, un buen hombre, entró al cuarto de dormir y les dijo que Dios lo había visitado para otorgarle una misión: descubrir la identidad de los demonios, y eliminarlos sin piedad. A partir de allí, ya nada fue lo mismo. A partir de allí, el horror y la muerte. A partir de allí, los hachazos en el cuello y el entierro de los cuerpos en el Rose Garden del pueblucho texano.

Wonder es una pieza que, en aras de conseguir empatía con sus potenciales espectadores, echa mano al más burdo maniqueísmo y a la más pedestre exageración con tal de intentar el lagrimeo fácil y la conmiseración gratuita. Acá los ricos son malos, pero remalos, capaces de (en un acto supremo de simplificación y mala leche) abusar y justificar las malas acciones que los niños cometen en contra de aquel que es diferente. Los buenos, son rebuenos; por lo general gente sencilla y tolerante, que puede cometer algún errorcillo pero que se enmendarán e incluso se redimirán en cuanto tengan el menor de los chances.

 

Pero lo más exasperante de esta mediocre pieza tele-novelesca del también muy mediocre Stephen Chbosky es aquello del tensar la cuenta para cargar de un dramatismo inexistente toda escena, toda acción, toda sentencia. Probablemente el desespero de Chbosky por legar a esta pieza de alguna consigna política o partidista lo ha llevado a concretar el paritorio de esta especie de Hermes Psicopompos, el infausto acompañante del Carontes griego por las aguas de la muerte.

Las preocupaciones del cine de ciencia ficción suelen girar en torno a dos grandes y trascendentes tópicos: el ejercicio del poder en cualquiera de sus variantes y la hechura y escritura de la historia por parte de los hombres. Ha sido una preocupación existencial plasmada por el género, con mayor o menor fortuna, desde siempre. Y un diálogo en Oblivion, cinta del inexperto Joseph Kosinski, así lo ratifica:

– Arriesgaste la vida de todos. ¿Por qué piensas que él es diferente?
– Él ya no cree.

(Otra reseña de hace un tiempo atrás y que logro recuperar)

“Arrival” es una historia semiótica, algo filológica, contada por uno de los más sagaces narradores del cine de estos tiempos, el canadiense Denis Villeneuve. La pieza, basada en un texto del brillante Ted Chiang, indaga sobre todo en los alcances prácticos de la comunicación y sus consecuencias. Y a tenor del riesgo de parir una obra plana y aburrida, según los estándares del séptimo arte, lo cierto es que Villeneuve echa mano a su talento y con un admirable giro final, basado en la desestructuración narrativa de la pieza, redondea como siempre un trabajo más que meritorio. ¡Ah, Villeneuve que estás en los cielos! ¡Eres capaz de traernos una historia que reboza de humanismo, que transpira esa sensación de dolor e inseguridad perpetuas que nos persigue y atosiga, así como quien chasquea los dedos y sigue, sin embargo, tan campante!

(Otro texto de hace un año atrás)

“Ferris Bueller’s Day Off”, cinta de culto de la década de los ochenta, seleccionada por el US Library of Congress para su preservación en el The National Film Registry, posee sobre cualquier otra cosa, han de saberlo, un inmenso valor icónico que, a la luz de los tiempos que corren, termina por otorgarle un carácter de tesoro vivencial, especie de constatación antropológica de una época en que en los Estados Unidos primaban los méritos sobre los cuales fue construida esta nación.

(Escrito hace un año)

Kung Fury es un divertimento genial de treinta minutos, elaborado en Suecia, pero tomando como referentes culturales a la violenta Miami de los años ochenta y a la cultura pop norteamericana, sin obviar, por supuesto, la iconografía japonesa de la post guerra. David Sandberg es el “tipo” detrás de esta genialidad. ¿Quieres olvidar las penas y desternillarte de la risa? ¿Dejar en el olvido a la prensa parcializada y la histeria política de los malos perdedores? Kung Fury es la única respuesta. Ah, por cierto, ya es hora de que te enteres. Adolf Hitler es inmortal.

“Arrival” es una historia semiótica, algo filológica, contada por uno de los más sagaces narradores del cine de estos tiempos, el canadiense Denis Villeneuve. La pieza, basada en un texto del brillante Ted Chiang, indaga sobre todo en los alcances prácticos de la comunicación y sus consecuencias. Y a tenor del riesgo de parir una obra plana y aburrida, según los estándares del séptimo arte, lo cierto es que Villeneuve echa mano a su talento y con un admirable giro final, basado en la desestructuración narrativa de la pieza, redondea como siempre un trabajo más que meritorio. ¡Ah, Villeneuve que estás en los cielos! ¡Eres capaz de traernos una historia que reboza de humanismo, que transpira esa sensación de dolor e inseguridad perpetuas que nos persigue y atosiga, así como quien chasquea los dedos y sigue, sin embargo, tan campante!

“Ferris Bueller’s Day Off”, cinta de culto de la década de los ochenta, seleccionada por el US Library of Congress para su preservación en el The National Film Registry posee, sobre cualquier otra cosa, un inmenso valor icónico que, a la luz de los tiempos que corren, termina por otorgarle un carácter de tesoro vivencial, especie de constatación antropológica de una época en que en los Estados Unidos primaban los méritos sobre los cuales fue construida esta nación.

(Pequeña reseña escrita hace tres años. Casi ni me reconozco en estas oraciones)

Estaba a la caza de “The Drop” desde hace un tiempo, sobre todo por tres razones. La principal, Denis Lehane, maravilloso novelista que ha generado un par de cintas majestuosas como Shutter Island y Mystic River. Lehane, de quien recomiendo su obra encarecidamente, se encuentra a la vanguardia de esa nueva literatura noir que contiene, entre otros nombres, al impresionante Daniel Woodrell.
La segunda razón tenía que ver con James Gandolfini, que plasma aquí una última y memorable actuación, antes de que nos dejara sumidos en la tristeza por esa pérdida tan inesperada y dolorosa. Y la tercera, pero no menos importante, responde al nombre de Tom Hardy. Sólido actor de formación teatral, Hardy me había dejado bocabierto en aquella cinta del talentoso Christopher Nolan, The Dark Knight Rises, por su papel de Banes.
¿El resultado? Una historia simplísima repleta de personajes soberbios, que transpiran sudor y sangran sangre. Una historia de perdedores que de alguna u otra forma se redimen en las barriadas proletarias de New Jersey. ¿Gandolfini y Hardy? Rozando lo genial.

(Escribí esta pequeña reseña hace ya dos años. Sigo rescatando mi material perdido)

“Pride and Prejudice” es un novelón romántico que nos legó la buena de Jane Austen. Pero también es un increíble fresco de aquellos tiempos en que tener una dote de hijas en plena campiña inglesa obligaba a sus padres a ser políticos, estrategas y jugadores de ajedrez. Pues bien, nadie como Joe Wright para captar el espíritu de la Austen y la esencia de sus orgullos y prejuicios.

Wright, un especialista en cine de época que suele naufragar cuando se enrumba en historias atemporales al estilo de “Pan”, una especie de heredero de Jim Sheridan, no solo nos ofrece el privilegio de atisbar a una maravillosa y soberbia Keira Knightley en su papel de Lizzy, sino que sobre todo se da el lujo de trasladarnos a un mundo ya antiguo que parece conocer al dedillo, sobre todo de la mano del humor sosegado y amable conque Deborah Moggach, su guionista en este caso, tiñe a las situaciones y a los personajes.

(Escrito hace un año, en marzo del 2017)

Zak Hilditch es un realizador australiano prácticamente desconocido, que atesora el mérito de imaginar y escribir sus propias historias. Una de ellas, “These Final Hours”, cinta presentada en Cannes 2014, aborda con asombroso ingenio y con aguda rectitud, he de decirles, el tema inacabable de la naturaleza humana y sus imperfecciones, desnudadas al filo de la bestialidad más amarga que, tal y como acaece cuando el final se acerca, se revela de manera inexorable en cada uno de nosotros. El asomo sempiterno de la muerte nos hace mejores o peores, qué duda cabe. Y Hilditch aprovecha la coyuntura que ha ideado, el próximo fin de la existencia, para contarnos una maravillosa, cruel, y al mismo tiempo emocionante historia de redención y, curiosamente, vida.