Mes: marzo 2019

Peter Chelsom es un realizador trivial. Y “Hector and the search for happiness”, a pesar de ser un proyecto pretencioso, termina transfigurándose en obra endeble, ingrávida, baladí. No es que la cinta sea un bodrio; atesora buenos momentos y cuenta con Rosamund Pike. Pero a la ñoñería sempiterna del guión y a la predictibilidad de la historia, no hay cosa alguna que la componga. Para una matiné dominical, tragos y demás chucherías incluidas, no está mal. Eso sí, no ose albergar esperanza alguna, pues saldrá más decepcionado que votante del partido Verde.

“Bohemian Rapsody”, la pieza de Bryan Singer es prácticamente un bodrio. La historia no trae nada nuevo sobre la mesa, además de que se regodea en fatuidades que conocemos de memoria. ¿La actuación de Rami Malek? El pobre tipo no pudo ni por un segundo dejar de hacer muecas y de chupar la exagerada prótesis que le engancharon para simular los dientes de conejo de Mercury… ¡Amigos, no pierdan el tiempo!

Lo que más me ha molestado de “Bohemian Rapsody”, la cinta de Bryan Singer es la burda banalización de la historia musical de Queen. Las referencias a sus primeros tres trabajos discográficos son escasas, y luego el abrupto salto a At Night at Opera, donde se infiere que las influencias operáticas surgieron prácticamente de la nada, como un intento oportunista de Freddie Mercury por alcanzar fama y fortuna es la apoteosis de la desidia. Lo cierto es que Queen fue siempre una banda distinta (sobre todo en la primera mitad de la década de los setenta). En sus dos primeros discos el progressive rock y el hard británico dominaban la mayoría de los acordes. El aeris de ambos álbumes estaba impregnado de esa naturaleza fantástica, deudora de Tolkien, que regía buena parte de la escena musical británica y que también se reflejaba en lo hecho por otras bandas como Jethro Tull, Led Zeppelin y Pink Floyd. Pero específicamente en Queen II se puede constatar la presencia de un par de temas que pueden considerarse antecedentes directos de Bohemian Rapsody, la obra emblemática de la banda que saldría a la luz un año después. Hablo de White Queen, una pieza ambiciosa, contenedora de excelentes arreglos vocales y que cuenta la historia de un joven desadaptado que llora y se lamenta por la pérdida de un amor; y la otra pieza es The March Of The Black Queen, donde el uso simultáneo de dos diferentes compases desemboca, al igual que Bohemian, en una polirritmia simple posterior. El coro, conformado sobre una base operática, alterna con segmentos de bajo tono y explosiones semi acústicas.

En el tercer álbum Sheer Heart Attack, la banda londinense rompió con la etapa de experimentación anterior y terminó de delinear ese sonido elegante, operático y a veces suntuoso que se convertiría en su marca de fábrica. Si acaso un tema menor como “In the lap of the Gods”, mejor alineado con el proyecto previo, persiste aún con esa tendencia Progressive que tanto caracterizó a Queen II. El álbum arranca con “Brighton Rock”, un tema ambicioso, trepidante y rítmico, sostenido por el rapidísimo drum de Taylor y los riffs coloridos y vibrantes de la inconfundible guitarra de Brian May, quien lanza también innumerables solos, considerados por muchísimos críticos como de los mejores de la época. May, en esta canción, muestra su inmenso talento sin complejos.

“Killer Queen”, especie de vodevil rockero, sobrevivió compilaciones posteriores, convirtiéndose así en tema cardinal de la primera etapa del grupo. Se hace énfasis aquí en el trabajo de voces, asentadas nuevamente por la labor magistral de May. Es, sin dudas, “Killer Queen”, el primero de los temas reconocidos por los neófitos de la banda, junto a “Now I’m here”, rock puro y duro presente en esta misma placa. La joya del disco es, para mí, la cortísima, exquisitamente melódica y hermosa “Lily of the valley”, donde la voz de Mercury se desdobla en mil y un tonos, alcanzando alturas impensables. ¡Un verdadero alarde de armonía! ¡Un grito poderoso de la banda! La cara B, repleta de homenajes, es de lo más curioso producido por el grupo. Ahí tenemos a “Stone cold crazy”, un homenaje al rock and roll americano de los inicios, tema que trae reminiscencias del trabajo de otras bandas inglesas de la época (¡Sí, nuevamente Led Zeppelin!), lo que sirve para corroborar, por cierto, que en este estilo Robert Plant es mucho más efectivo que Freddy Mercury. La triada de homenajes se completa con “Misfire” una especie de funky setentero, y con “Bring back that Leroy Brown”, be bop de exquisita factura.

En resúmen, Queen ha sido mucho más que esa banda irrisoria de los inicios que Singer nos pinta en su pálida Bohemian Rapsody. El talento inmenso y el afán innovativo acompañaron a Mercury y compañia desde el primer acorde. At Night at the Opera es la continuidad de dichas inquietudes.

Solace es una amalgama de pésimo gusto y horrible resultado. Asesinatos en serie bajo la sombra de Demme y Thomas Harris, estética pretenciosa y ¡violá! al mismo tiempo chapucera; para colmo de males, un Anthony Hopkins fuera de forma, tétrico remedo de aquel Hannibal Lecter que alguna vez amenazara con cambiar la manera de narrarse el cine. He de prometerles, con toda la solemnidad posible, que ante el primer avistamiento de un nuevo proyecto de Afonso Poyart, correré como si una manada de zombies de Nicotero me persiguiera con la saña de quienes quieren devorarte. He dicho.

“Passengers” es una pieza interesante, porque toca con presteza un sinnúmero de preocupaciones sobre la existencia humana que, llegado el caso, podrían revelarse como trascendentes y vitales: la soledad ante el abismo inescrutable de la vida, el espíritu colectivista que a pesar de todo nos anima, el amor, el arrepentimiento, el miedo… Como metáfora de nuestras vidas, “Passengers” podría funcionar, pero donde el pulso de Morten Tyldum yerra es en ese falso espíritu heroico con que se trata de impregnar a la historia durante el trayecto de su último tercio. Resulta que el Hollywood “trascendente” se impone al sentido común de la mesura y el afecto. Jennifer Lawrence, por cierto, me sigue pareciendo una actriz soberbia, a pesar de encarar aquí a un personaje forzado por las inconsistencias del guión. De saber escoger sus proyectos con sabiduría y exponerse menos, hasta podría en una de esas hacernos olvidar a aquella magnífica y salvaje Ree salida de la pluma tremenda de Daniel Woodrell.

Whiplash es la historia de una doble venganza… musical. Y también una fábula acerca de la búsqueda de la perfección, aunque ello determine desandar los caminos del sadismo e, incluso, el masoquismo. El infligir dolor en busca de lo excelso. El convertirse en víctima en pos del magnífico esplendor. Al propio Damien Chazelle, director y escritor del filme, se le puede aplicar la máxima de pulcritud extrema. El propio Chazelle calza en ese molde de perfección y dolor. ¿Si no cómo calificar esa fotografía inmaculada, ese manejo de las luces y las sombras, esa fantástica edición?

Conozco el trabajo de J. K. Simmons desde los tiempos de “Oz”, aquel serial de HBO en los noventa. Aquí regresa a sus raíces adueñándose de la piel de un personaje inflexible y sin embargo vulnerable, peligroso y a la vez cuasi entrañable. Se necesita de una intensidad soberbia, de un talento fenomenal. Y Miles Teller aguanta el pulso y brilla al mismo tiempo. Su futuro es luminoso.

“Busanhaeng” (Train to Busan), una cinta de Sang-ho Yeon inspirada en su propio corto de animación “Seoul Station”, es una excelente obra que, amén de la lectura social que los críticos le han dado en cada una de sus críticas y revisiones, privilegia sobre todo, en mi opinión, el vínculo filial entre un padre y su hija, expuesto al horror inesperado de la supervivencia. Exhibida en la selección de filmes de medianoche del Festival de Cannes, esta narración, soberbia, impecable, irredenta, es un canto de amor en medio de la oscuridad y de la sinrazón, amén de una exquisita pieza de horror irredimible. Como toda obra “zombie”, invita a la contemplación de la naturaleza humana, en este caso sin atesorar pretensiones ligeras, con el pesado mazo del temor machacando cabezas y aletargando almas.

Familia, de Louise Archambault, es una cinta hecha por mujeres, pero que rehúye de los tópicos comunes del feminismo y de la condescendencia del victimismo más banal. Ya ello es un logro por sí mismo. Narrada de manera directa y simple, sin subterfugios ni pretensiones elitistas, se constituye en un honesto testimonio acerca de lo disfuncional en par de relaciones entre madres e hijas. Ligeramente predecible en algunos de sus puntos cardinales, el filme se deja ver con complacencia, gracias sobre todo a las muy sólidas actuaciones de Sylvie Moreau y Macha Grenon.

“Room” es una cinta sobre el dolor de la libertad y sobre el horror de los encierros. Lenny Abrahamson así no los refrenda, adaptando cuasi con majestuosidad un texto de Emma Donoghue que primero fue novela. El animal humano se habitúa a las peores coincidencias, nos revelan ambos. Y luego de la abstinencia del terror, puede el martirizado, incluso, trastocarse en deudo de la consternación vivida. Hay mucha congoja en ese asentimiento brutal.
Abrahamson es un buen narrador. Atesora imaginación y astucia. Domina los elementos técnicos de su oficio. En esta “Room”, si acaso, se le puede imputar una mediana liviandad en la mantención de la historia una vez superada la mitad del metraje, pero nada que demerite esta exquisita pieza, repleta de dolor y de esperanza. Su pulso para navegar en las aguas turbulentas de la tensión y lo imprevisto, es envidiable.
Brie Larson, que ganó el Oscar por su interpretación de la madre sufrida y no rendida, se ubica en una cuerda similar a lo que ya hizo antes en Short Term 12, por ejemplo. Talento le sobra para sacar hacia adelante papeles oscuros y complejos. ¡Y lo hace con gracia y economía de recursos! Que no detente la profundidad histriónica de una Jodie Foster en su mejor momento, o la notoria grandeza de una Jennifer Lawrence (para citar a una contemporánea) no imperfecciona su faena. La Larson será grande si no desvía su rumbo, como antes hicieron tantas otras.
Y Jacob Tremblay… ¿Qué decir de Jacob Trembley, que ya no se haya comentado? Afirmar que está a la altura de Abraham Attah, el mismo de “Beasts of no nation”, no sería exagerado.