Mes: julio 2020

Paul Thomas Anderson es un excelente y complejo narrador de historias. Y Magnolia (1999), quizás, es su gran obra. Cinta coral con múltiples crónicas entrelazadas, el filme marcó un estilo para el venidero siglo XXI.  Anderson, por cierto, es un maestro en eso.

“Las cosas extrañas ocurren todo el tiempo”, como bien sabemos. No hace falta que el realizador californiano nos lo recuerde a cada paso. Pero también se agradece, como ejercicio intelectual, el hecho de que Anderson plasme la idea de que nada es circunstancial y de que todo responde a un inherente y bien planificado destino.

¿Es, entonces, una cinta religiosa Magnolia? Yo me arriesgaría a decir que sí, en el sentido estricto del término y no en la mera denominación semiótica. Eso ya es algo, por no decir que mucho.

Con un fino e inquietante humor, Paul Thomas Anderson nos toma con firmeza de la mano para pasearnos por una constante montaña rusa sensorial, psíquica y emocional, a ritmo trepidante y sin pausas. Te sacude de arriba a abajo y hacia los lados, hasta dar de costado con los despojos residuales, los leftovers de la propia existencia, esa que tantas veces cuestionamos.

La locura suele ser rozada por la genialidad. Algo de eso subsiste en las múltiples historias de Magnolia, con ese trazo magistral y tan humano de los personajes, tan dolorosos y creíbles, tan horrendos e infelices. La obra posterior de Anderson, desde entonces, ha sido una especie de reivindicación continuativa de este filme, con ejercicios contundentes como There Will be Blood, y sobre todo The Master, donde el ser humano, con sus continuos desaciertos y tristezas, parece encontrarse todo el tiempo a la deriva de un Dios omnipotente y omnisciente. 

Black Rain (1989) todavía se enmarca dentro de la etapa dorada de Ridley Scott que abarcó, en mi opinión, desde su debut con The Duellists (1977) hasta la incombustible Thelma and Louise (1991), y que contiene dentro de sí un par de policiacos ochenteros de exquisita factura como Someone to Watch Over Me (1987) y la mencionada Lluvia Negra, pieza escrita a dos manos por Craig Bolotin (el mismo de las series de Miami Vice) y Warren Lewis.

Cuenta Scott que los productores de Black Rain vinieron a proponerle el filme cuando, tras haber visto Blade Runner, pensaron que se trataba del candidato idóneo. “Como tienes experiencia en filmar en las calles de Tokio…”. Scott les contestó que Blade Runner no había sido fotografiada en Japón y que sus edificios y paisajes habían salido de su cabeza. Pero aún así terminó aceptando la propuesta.

El paritorio de Scott es una obra excelente, donde tras la estética formidable del maestro habita el más profundo de los miedos. Y es que la cinta no es otra cosa que el reflejo del encuentro de dos culturas, no desde la perspectiva apocalíptica de Samuel Huntington, sino desde la circunstancia más banal de la extrañeza.

Dos policías (acá se repite el ya clásico esquema ochentero de los buddies de azul) tienen que desplazarse hasta Tokio para completar la extradición de un delincuente yakuza capturado por ellos mismos durante una angustiante persecución que termina en un matadero de reses (¡Ay de los veganos en aquellos tiempos!), pero a la llegada al Narita International Airport nuestros héroes son burlados y el temible asesino termina escapando.

La historia, simple y lineal, sirve para el arranque de la confrontación entre dos modos de ver y de sentir la vida, donde cabe desde la noción del honor y la moral hasta la exploración del concepto de la amistad y sus matices. La narración, con un giro argumental notable hacia la mitad del rodaje (que ha dado pie, por cierto, a una de las escenas más memorables e impactantes del cine de los últimos cuarenta años) se refugia en el virtuosismo visual de Scott y en una banda sonora que le traquetea los coxones. ¿El resultado? Un filme que a duras penas envejece y que sigue siendo tan poderoso y vital como en aquellos tiempos, más preclaros y sabios, en que fuera concebido.

PD: Michael Douglas ha sido uno de los policías más coherentes y creíbles de la historia del cine a lo largo de su carrera, y la actuación acá de nuestro querido cubiche Andy García es una muestra del por qué llegó a ser uno de los actores más populares de la época.

He visto una vez más, luego de treinta años, Cat People, la cinta de Paul Schrader, sólo para volver a comprobar que no hubo presencia más poderosa frente a las cámaras que la de Nastassia Kinski, aquella Brandon mujer. Las cuatro patas de la mesa que ayudaron a fomentar el mito generacional de la Kinski como una fuerza de carisma salvaje fueron Tess (1979) de Polanski, One from the Heart (1981) de Coppola, la propia Cat People (1982) de Schrader y la inolvidable Maria’s Lover (1984) de Konchalovsky. Antes de la Kinski, algunas. Luego de la Kinski, pocas.

“Doctor Sleep” es una especie de continuación de “The Shinning”, esa obra majestuosa de Stanley Kubrick. Y aunque la cinta de Dan Flanagan, un especialista veterano del género de terror, es decente, lo que ya fue brillantemente sugerido no necesita ser explicado. La culpa no es del realizador, por supuesto, sino del obsesivo Stephen King y su factoría de escribidores a sueldo.

No obstante y a pesar de las múltiples obviedades, “Doctor Sleep” no es una pieza desechable y llega, por momentos, a atesorar momentos muy bien logrados, como aquella escena formidable donde un viejo moribundo expira su alma hacia el infinito.

Hay acá una aproximación sensible e inteligente al abismo insondable de la muerte, a pesar de que la historia central deriva hacia un cruel y raro desvarío de fantasmas y devoradores de almas.

Vale la pena verla por aquello de la curiosidad intelectual. El intento es valiente y osado, aunque no hay Flanagan que compita con Kubrik… ni Stephen que se sacie de King…

Cutter’s Way es una película sencilla, directa, ochentera pero estéticamente aún varada en los setenta. Es una adaptación de una novelilla de Newton Thornburg y la dirigió Ivan Passer, un realizador menor que procede de la nueva ola checa y que se murió en enero de este fatídico año en curso.

La cinta plantea básicamente un pequeño dilema moral sobre la percepción de la justicia y sobre la legitimidad de las lealtades. Lo hace, claro está, sin acudir al moralismo compasivo de estos tiempos. Lamentablemente es una pieza que se pierde en la inconstancia de un ritmo impreciso (el pulso de Passer no era nada del otro mundo).

El problema principal del filme es el personaje excéntrico de Alex Cutter, poco creíble y sobreactuado por John Heard. Nunca llega a cuajar y sin eso, amigos míos, no puede haber historia.

“The Virgin suicides”, la brillante ópera prima de Sophie Coppola, narrada de manera impecable, es una pieza hermosa, sensible y estremecedora que nos habla sobre la fragilidad de la adolescencia, o de la vida, que es casi la misma cosa.

Coppola le arranca un jirón a la existencia de todos, nos toma de la mano y guía, sin compasión alguna, hacia un drama terrible, que es el fin inesperado y abrupto.

Dicen que la novela de Eugenides es muy buena. No la he leído. Pero a pesar de que nunca una obra cinematográfica logrará recapitular las complejidades de la literatura, estoy seguro de que la pieza de Coppola se le acerca. Y es que nos muestra que la vida, inconmovible, continúa su paso sin velar por los que quedan detrás.

Si estás dispuesto a que se te arrugue el alma, métele caña a este filme, no pierdas mucho tiempo… (¡Por cierto, que clase de actorazo el gran James Wood!)